No todas las canciones dedicadas a San Francisco surgen en los años 60 para hablar del “flower-power” sino que muchos años antes ya había quién le dedicaba versos a la bahía de la ciudad, la famosa bahía de San Francisco por la que el protagonista de este tema sueña que pasea junto a la chica que le ha abandonado.
Una canción cargada de sueños como los que tenía el propio autor del tema, Jesse Fuller, un hombre que había trabajado de casi todo en la vida pero aún así vivía en la mayor de las pobrezas, y esa es la razón por la que le abandona su chica. Un error, porque años después su canción sería versionada por artistas de la talla de Bob Dylan, Peter, Paul and Mary o Eric Clapton. Esperemos que los royalties de su canción le llegasen a tiempo de disfrutarlos al bueno de Jesse, o si no al menos que encontrase otra mujer con la que pasear por la bahía de San Francisco.

Estamos ante el “Georgia on my mind” de San Francisco, otra canción que significa tanto para la gente de un determinado lugar que el gobierno de turno no tuvo más remedio que hacerla himno oficial, en este caso del condado y la ciudad de San Francisco.
La versión de Tony Bennett, aunque no llegó a copar las listas de ventas estuvo en ellas durante casi 3 años y le valió al crooner el Grammy a la mejor interpretación masculina de aquel año.
Un auténtico clásico que se inmortalizó en la voz de este artista italo-americano allá por el año 1962 y que narra la absoluta pasión del protagonista del tema por una ciudad a la que no ve pegas, la niebla, los tranvías, el mar…todo parece especial en esa ciudad idílica de la que nos habla este “I left my heart in San Francisco”.
En este vídeo hemos rescatado una versión con un Bennett bastante jovencito que comparte protagonismo con la gran Judy Garland. Impresionante documento.

No importa quién seas, no importa de dónde vengas; esto es San Francisco y te estamos esperando con los brazos abiertos. Más o menos ese es el mensaje que todo joven norteamericano recibía en el año 1967 desde la ciudad del Golden Gate y ese es el mensaje de esta canción, compuesta por Sam Andrew, guitarrista y cantante de la Big Brother Holding Company.
Con la poderosa voz de Janis Joplin primero en un papel secundario y luego como pieza clave de la banda, la Big Brother se hizo un hueco entre los grupos a tener en cuenta en aquella explosión de amor y rock que tuvo lugar en la costa Oeste de Estados Unidos. Sin duda, los mejores momentos en la carrera de la ya mítica cantante fueron junto a esta banda, cuando todo era pura improvisación y libertad en el escenario. Ahí es cuando Janis daba su 100 por 100. Es impresionante ver cómo puede adueñarse desde los coros en un tema en el que ella no es la voz principal.
Este “Combination of the Two” abre el que fue el segundo LP de la banda y por el cual se ganarían siempre un lugar en la historia del rock, el “Cheap Thrills” de 1968.

Primera canción del primer disco que la humanidad pudo escuchar de los Rolling Stones…y no está nada mal. Eran otros tiempos y los grupos británicos basaban la mayor parte de su repertorio en “viejos” clásicos del Rock and Roll de los 50. Este “Route 66″ sin embargo se remonta mucho más atrás en el tiempo. La versión original del tema, de 1946, pertenece a una auténtica institución de la música norteamericana, Nat King Cole, pero no fue escrita por él sino por Bobby Troup.
Según cuenta el propio Bobby, le quería dedicar una canción a esa sensación de libertad que uno siente cuando se encuentra al volante quemando kilómetros ya sea en coche o en moto así que pensó que qué mejor que la Ruta 66 de Estados Unidos para personificar esas emociones. Más de 2000 millas que atraviesan Estados Unidos desde Chicago hasta Nueva York para no dejar de pisar el acelerador. El problema le surgió a Bobby a la hora de desarrollar la idea, no se encontraba muy inspirado con la letra y no lo dudó, a falta de ideas originales ¿por qué no rimar unas cuantas ciudades por las que pasa esa carretera?…Para ser una solución “facilona” la cosa le salió de maravilla. De hecho, debe ser uno de los temas más versionados de la historia, y quizá una de sus mejores versiones nos la regalaron en 1964 los Rollling Stones, eso sí, muy inspirados por la versión que en el 61 hizo Chuck Berry.

Orgullo americano al servicio de una canción de Hard-Rock. Los tópicos de la cultura estadounidense se mezclan aqui con las anécdotas de backstage de una superbanda de los 70. Con este “We’re an american band”, la Grand Funk Railroad conseguiría en el año 1973 el mayor éxito de toda su carrera. No es el mejor tema de la banda ni mucho menos pero se convirtió en un auténtico himno para aquella generación norteamericana de principios de los 70.
En la letra de la canción se hace mención a las habilidades como jugador de póker del gran Freddy King, un clásico del blues yanqui, y sobre todo sirvieron para inmortalizar a Connie Hamzy (”Sweet Sweet Connie”), que no tocaba la guitarra precisamente pero que era una auténtica leyenda en el estado de Arkansas gracias a otro tipo de habilidades que no tenía reparo en demostrar a todos los grupos de rock que tocaban por la zona. Gracias a este tema es probablemente una de las groupies más famosas de la historia, y eso que no es la única que se menciona en la canción, otras 4 “chiquitas” de Omaha también forman parte de ella.
Supuestamente este tema fue compuesto por Don Brewer tras una discusión en un bar con miembros de Humble Pie sobre quién había aportado más al Rock and Roll, ¿Estados Unidos o Gran Bretaña?. Cada uno que juzgue, pero claro, la Grand Funk Railroad lo tenía claro, ellos eran una banda americana…

American Patrol (Patrulla americana) fue compuesta por F.W. Meacham en 1885 para piano, y en sus primeros años gozó de una gran popularidad convirtiéndose en una de las marchas más conocidas.

Pero no sería hasta la época de Glenn Miller y su orquesta en la que le dieran a la obra el auge suficiente para que hoy, en nuestros días, sea una de las canciones de jazz instrumental más conocidas.

El categorizador de “Marcha” no es por otra cosa sino por la temática de la canción, ya que si la escuchas se aprecia claramente el swing que tiene.

La parte oscura de la canción, por decirlo de alguna manera, es que alcanzó este gran auge gracias a la primera y segunda guerra mundial, por lo que no deja de estar teñida por estos macabros sucesos.

Pero lo mejor será que escuches este magnífico tema, que seguro que hará que te guste el jazz, si es que no te gusta todavía.

Uno de los mejores temas en la discorafía de una de las bandas más famosas de la historia, y sobre todo de la historia en concreto de California. Los chicos de la costa Oeste capitaneados por un ya “deformado” Jim Morrison ,que se refugió en la bebida durante su efí­mera pero productiva y sobre todo impactante carrera al frente de los Doors, nos regalaron en su último disco varias de las mejores canciones del grupo. Después de ser machacados por la crí­tica tras sacar dos Lp’s que consideraron menores como “The Soft Parade” y “Morrison Hotel” los Doors editaron un álbum basado en el blues llamado “L.A. Woman” que hizo despertar de nuevo todas las esperanzas que algunos habÃían perdido en ellos. Entre esas canciones quizá la mejor de todas, la que da tÃítulo al disco, es esta melodí­a en la que Morrison habla de Los Ángeles como una ciudad donde dar rienda suelta a todas sus perversiones, clubes de top-less, alcohol, ángeles perdidos y mujeres, muchas mujeres dentro de un tema en el que el propio Jim Morrison introdujo un anagrama de su nombre, “Mr Mojo risin”. Murió 2 meses después del lanzamiento del disco.

Para los que descubrimos a los Doors gracias a la pelí­cula de Oliver Stone que nuestro hermano nos puso cuando éramos pequeñitos es fundamental decir que la última escena de la misma con Val Kilmer interpretando a un Morrison ya gordo y barbudo sentado cantando esta canción es más que mítica. En este vídeo, la versión completa de la canción.

Los Red Hot Chili Peppers habÃían comenzado su carrera acercándose al funk metal más pesado para ir puliéndose poco a poco hasta llegar a hacer una de las más grandes obras de la década de los 90, el “Blood Sugar Sex Magik”. Los excesos de la banda, que ya se habían cobrado la vida de alguno de sus miembros, hicieron que John Frusciante abandonase la nave justo después del lanzamiento de aquel disco que sin duda se erigía como la obra clave en la discografí­a del grupo. Sin Frusciante los Red Hot sacaron un disco (”One Hot Minute”) que por supuesto no pudo compararse al anterior y que como ocurre en estas ocasiones dejaba la creatividad del grupo en entredicho. Rumores de separación y nueve años después, con un reciclado Frusciante de nuevo en las filas de la banda, el milagro sucedió y los Red Hot, tomando la decadente sociedad occidental como fuente de inspiración y personificando esa decadencia en California y sobre todo en Hollywood y los “valores” que prima y que vende la sociedad norteamericana, hizo otra obra maestra llamada “Californication”.
La canción que da tí­tulo al disco toma un absoluto protagonismo a pesar de ser el 4º single del disco.
Esta canción resume la esencia de Red Hot y del mensaje del disco. En ella las referencias a las sociedad “de plástico” en la que vivimos se mezclan con referencias a Kurt Cobain, a Bowie o incluso a la saga de Star Wars.
El puente instrumental de la mitad de la canción es la parte favorita del disco de Flea (el bajista) y en directo tanto él como Frusciante aprovechan la musicalidad de este tema para hacer intros como la del vídeo.

Tercer single de una de las óperas primas más celebradas de los últimos años ,”Youth and Young Manhood”, este “California waiting” nos habla de la vorágine de la carretera en la que unos jovencí­simos Kings of Leon (17 años tení­a alguno de ellos cuando publicaron este single) están inmersos y de la que no solo no pueden salir sino que la gran California les está esperando.
El mundo del rock se quedó con la boca abierta escuchando el primer disco de estos cuatro chavales (tres hermanos y el primo hermano de éstos) que salía a tocar con ropa bien apretadita y luciendo unos bigotes y barbas que no sabías si tomártelos a broma o no. Evidentemente no hací­a falta escucharles durante mucho tiempo para darte cuenta que de broma no tení­an nada y que era un auténtico grupazo. Este vídeo, de su primera época, os dará una idea de lo que estamos hablando.

Un descafeinado pero correcto Lenny Kravitz se acordó en el año 2004 , dentro de su álbum “Baptism”, de la primera vez que se mudó a California. Una chica que le ponía discos de los Zeppelin y los Who, noches locas, los colegas del barrio, en fin una auténtica oda a la morriña de tiempos pasados en la costa oeste de Estados Unidos. Y está mal que lo digamos pero en el caso del propio Kravitz casi cualquier tiempo pasado fue mejor, un artista ninguneado por la crí­tica en sus comienzos en los que reivindicaba sonidos puros y añejos y de los que nunca debió salir. En este tema la intención vuelve a ser la de antaño y todo suena muy clásico pero Kravitz ya no transmite la fuerza que seguro que tení­a la primera vez que se mudó a California…